el Retronauta

Vintage 1960's

2012-03-01T08:09:00.000+01:00

¡Que tiempos! ¡Que elegancia! ¡Que glamour destilaba todo! ¿Donde ha quedado todo aquello?... Sólo en las viejas fotos que de vez en cuando descubren nuestras retinas y que nos llevan a otros tiempos... ¿Mejores?... Seguro que si...

Si, ya se que es una porquería de entrada y que no parece otra cosa que una entrada de relleno. ¡Exacto! Eso es lo que es. Lo han adivinado. Otro día espero ser más prolijo; pido su indulgencia.

Los desnudos de Bettie Page

2012-02-12T23:01:00.000+01:00

No sabía si dejar esta entrada para más adelante, visto que la anterior también estaba dedicada a otra pin up, concretamente a Betty Brosmer, "la pin up perfecta" me atrevía a proclamar entonces. Proclamación que fue aplaudida y contestada en diversos porcentajes, pero que ahora no vienen al caso. Lo que me ha decidido, es la magnífica entrada que ha realizado hace algunos días, sQsmaravillosa en su blog Divas del Cine: "Aquellas maravillosas Pin-Ups". Una entrada con una visión historicista del fenómeno pin up que les ánimo a leer y conocer.

Y es que visto que el tema da para más, voy a darles otro, el de la pin up mas fotografiada de la historia y sus fotos menos publicitadas: Los desnudos de Bettie Page.

Para los que no la conozcan -que ya sería raro- o al menos "de vista", diremos que Bettie nació un 23 de abril de 1923 en Nashville, Tennessee. Pronto, sus padres se divorciaron, dejándola a ella y a sus dos hermanas en un orfanato. Pasaría su adolescencia estudiando y soñando con ser actriz. En febrero de 1943 y con sólo 20 años se casa con Billy Neal, el primero de sus tres maridos. En 1947 se divorciarían tras lo cual ella decide viajar a Nueva York. Como ven, en cuatro lineas han pasado ya veinticuatro años. Más sucinto no puedo ser.

Allí, en esa ciudad, conocería casualmente a Jerry Tibbs, un aficionado a la fotografía que realizaría su primer portafolio como pin up. Ni se imaginaba como ese encuentro estaba a punto de cambiar su vida. El la introduciría en los clubs de fotografía que se habían creado a finales de los '40 para eludir las restricciones de fotografías de desnudos. De allí saldrían unas cuantas portadas en revistas de poco tiraje. Lo suficiente para que llegaran a otros fotógrafos como Bunny Yeager e Irving Klaw, que verían en ella un gran potencial.

Desde 1952 hasta 1957, posó para (y muchisimos más) el fotógrafo Irving Klaw para fotografías que eran pedidas por correo con temática pin-up, bondage o sadomasoquista, convirtiéndose en la primera modelo de bondage famosa. Klaw también filmaría a Page en docenas de filmaciones en blanco y negro de 8 y 16 mm, films "especiales", que eran encargados por clientes específicos. Estas apariciones silentes, mostraban a mujeres vestidas con medias, lencería y zapatos de tacón de aguja, actuando en escenarios fetichistas, dominación de esclavas con bondage, spanking (azotes en el culo) y sugerentes (y sexís) trajes de cuero.

Page alternaba entre interpretar a una dura dominatrix o a una víctima indefensa, atada de pies y manos. Klaw también produjo una línea de instantáneas tomadas durante estas sesiones. Algunas se han convertido en imágenes icónicas, como una de las fotos más vendidas de Page, mostrada amordazada y atada en una red de cuerdas. Aunque estas producciones clandestinas tenían el mismo estilo crudo y el mismo tipo de distribución que la pornografía de la época, los films S/M de Klaw (y sus fotografías) nunca mostraron desnudez o un contenido sexual demasiado explícito que pudiera considerarse pornográfico.

Las razones conocidas para que Bettie Page decidiera alejarse de su carrera varían. Algunos mencionan las audiencias contra la pornografía que realizó el senador demócrata por Tennessee Estes Kafauver en el Subcomité de Delincuencia Juvenil del Senado. Ello, después de que un joven muriera aparentementedurante una sesión de bondage que -se decía- estaba inspirada en las fotografías fetichistas de BettiePage. Una historia escandalosa en aquellos días que terminó con el negocio de fotografías de bondage y Sado/Maso de Klaw, que parece que fueron las victimas propiciatorias de todo aquello.

De hecho, el Congreso de los EEUU llamó a Bettie para testificar y que explicara las fotografías en las que ella aparecía semi desnuda y en aquellas poses. Al final, Bettie fue excusada de comparecer ante el comité, pero los negativos de muchas de sus fotos fueron destruidos por orden judicial. Durante muchos años, los negativos que logro salvar Klaw y su circulo de allegados fueron ilegales de reproducir en cualquier soporte.

Tras todo este follón, en 1958, Bettie, y en plena cumbre de su carrera artística, decidía desaparecer del mapa, tras una visión -dijo- en la que descubría la religión cristiana y una forma de vida más espiritual y alejada de la "carne". Pero Bettie Page, el icono pin up y sicalíptico por excelencia, nos dejo un legado de miles de fotografías, entre las cuales, estas que ahora vienen...

Aquí, Bettie con el fotógrafo Irving Klaw

Este señor no se quién es ni que está haciendo.

La vida y visicitudes de Bettie Page continuaron después de aquello, pero eso, ya es otra historia....

Betty Brosmer: La pin-up perfecta

2012-01-29T09:17:00.000+01:00

Betty Brosmer, la señorita que les traigo hoy a este lugar, ha pasado a la historia por muchas razones que iremos viendo, aunque la más notable de ellas, es por su espectacular físico de cintura de avispa muy pronunciada.

BETTY BROSMER

Nacida en Pasadena (California) el 8 de agosto de 1935, durante su apogeo en la década de 1950, Betty fue el paradigma de la mujer de aquellos días: hermosa, rubia, ojos azules y con una sexualidad desbordante que a todos atrapaba. Puede que a ello tuvieran que ver sus medidass físicas, que eran de unos escandalosos 96-45-92 cm.

Ya desde sus inicios en el año 1949, como modelo adolescente para el catálogo de Sears y Roebuck, la joven Betty aparecía en los principales anuncios, como imagen de producto y en promociones de mercado, así como en carteles publicitarios de películas Kodak o zapatos Thom McAn por todo el país. Su rostro aparecía regularmente en anuncios publicitarios a página completa en muchas de las revistas principales, entre ellas Esquire, Fortune, Time, Life y The Saturday Evening Post. Además, no crean que era la clásica rubia tonta, ya que compagino su trabajo de modelo con los estudios, logrando graduarse en psicología por la UCLA.

Su primer título de belleza fue el de Miss Television en 1950, cuando fue invitada a posar en la parte superior del edificio Empire State ante la antena de TV. Esa foto apareció en la portada de TV Guide. Después seguirían más de ¡cincuenta! títulos de belleza, (y eso antes de cumplir los 20 años) entre los que podríamos citar, Miss Pretty Girl, Miss Perfect Figure, Summer Queen, Venus de Milo 1952, Miss Supersonic, Miss Sweater Girl, Pin-up Queen, Miss Childs Garden, Miss Potato Chips, Miss Jones Beach, Miss Waist and Hips, Miss Cherry Queen, Miss Blue Eyes entre otros títulos. Sería una de las pin-ups mejor pagadas de la historia. Además, fue una de las primeras modelos en poseer los derechos sobre muchos de los negativos de sus fotografías y cobrando derechos de autor por ellos.

De 1955 a 1960 Betty aparecería en prácticamente todas las revistas de temática masculina logrando más de 300 portadas en su carrera. Se le invito para que posara para la revista Playboy. Ella accedió he hizo una sesión de fotos con el fotógrafo Arturo de Pablo para la revista de Hugh Hefner, pero las fotografías nunca se publicaron debido a que ella no llego a posar desnuda. Y es que esa era su marca de casa, no veremos más que aquellos "minúsculos" bikinis de la época. No existen desnudos de Betty Brosmer.

En 1961, se casó con Joe Weider, cofundador de la Federación Internacional de Culturismo y editor de numerosas revistas. Después de su matrimonio, adoptaría el nombre de Betty Weider, abandonando su carrera de modelo y pasando a escribir artículos en las revistas de su marido como Fitness y Muscle & Fitness y en columnas mensuales con el titulo de "Body for Betty". También ha escrito y publicado libros sobre nutrición y gimnasia. Su matrimonio, después de medio siglo, todavía perdura hasta el día de hoy.

Betty y Joe se casaron en Las Vegas el 24 de abril de 1961

GALERIA FOTOGRÁFICA

GALERIA DE PORTADAS

No se si se han fijado, pero no hay ninguna cabecera de revista repetida...

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Entretenimiento para las tropas en tiempos de guerra (o casí)

2012-01-21T21:03:00.000+01:00

Hace algunas entradas les hablaba yo del viaje relámpago de cuatro días que realizó Marilyn Monroe a Corea para actuar ante las tropas acantonadas allí. La península coreana había sido dividida en 1945 en dos zonas, la ocupada por los soviéticos y la ocupada por Estados Unidos, justo después de la Segunda Guerra Mundial (Corea fue anexionada por Japón después de la guerra Ruso-Japonesa de 1905). Corea del Norte rechazó participar en las elecciones celebradas en 1948 al amparo de las Naciones Unidas, que finalmente crearía dos gobiernos independientes en cada una de las zonas ocupadas. Ambas Coreas reclamaban la Península de Corea a plenitud, lo que las llevaría a la Guerra de Corea en 1950. Y a ese lugar fue invitada en 1954 nuestra pizpireta rubia por la USO.

¿Y que era la USO? La historia de estos espectáculos, empieza en 1941, cuando se hizo evidente que los Estados Unidos de América se encaminaban a una Segunda Guerra Mundial, varias organizaciones se movilizaron para apoyar el entretenimiento y ocio de los soldados en el frente. Algunas de ellas: el Ejército de Salvación, La Asociación de Hombres Jóvenes y Cristianos, la Asociación Nacional de los Servicios Católicos de la Comunidad, la Asociación Nacional de Ayuda a Viajeros y la Junta Nacional de Bienestar Judío entre otras.

El presidente Franklin D. Roosevelt creó la sinergia o interrelación -como quieran llamarlo- entre estos organismos mediante la formación de las USO (Organizaciones de Servicio Unido), con el objetivo de proporcionar el apoyo emocional necesario a las tropas en cualquier lugar del mundo. Hoy en día, la USO sigue para levantar el ánimo de las tropas de Estados Unidos y sus familias. La USO no forma parte del gobierno, aunque está reconocida por el Departamento de Defensa, y se nutre en la actualidad de aportaciones anónimas o empresariales. La USO ha estado presente en todas las guerras y conflictos internacionales alla donde los yankis han enviado soldados.

Algunas figuras que se han dedicado en algún momento a esto del entretenimiento de los soldados invitados por la USO han sido: Bob Hope, Bing Crosby, Danny Key, Ginger Rogers, Errol Flyn, John Wayne, Charlton Heston, Raquel Welch y muchisimos más. En tiempos más actuales citar por ejemplo a las Cheerleaders Dallas Cowbos, Jay Leno, Sheryl Crow, Steve Martin y deportistas y raperos entre otros...

Las dicharacheras Andrew Sisters cantaron para las tropas americanas acantonadas en Inglaterra en 1941.

La actriz y cantante Marlene Dietrich actuó varias veces a lo largo de la guerra. Voló a su Alemania natal en 1945 para cantar ante los soldados.

La cantante y actriz Monica Lewis también viajo a Corea para actuar ante las tropas.

Aquí en España no íbamos a ser menos que los americanos y también enviamos a nuestras estrellas al frente de "combate"...

Nuestra simpatica actriz y cantante Carmen Sevilla, actuaría conjuntamente con el humorista Gila y otros artistas para los soldados del ejercito español destinados a sofocar el levantamiento de insurgentes en Marruecos en las navidades de 1957.

Hasta nuestra inefable Marta Sanchez actuó en la primera guerra del golfo, en las navidades de 1990 en la fragata Numancia, enviada en una esperpéntico golpe de efecto "publicitario" del gobierno socialista de aquellos días.

En cambio, éstas féminas que hoy les traigo en este documento, no fueron invitadas por la USO ni cualquier otra organización. No eran famosas, cantantes o actrices, pero estas chicas anónimas hicieron lo que pudieron en su particular espectáculo y ya se pueden imaginar como levantaron el animo de estos soldados dejándoles un grato recuerdo y un solaz entretenimiento que aquellos hombres no olvidaron jamas.

Y hasta aquí hemos llegado, espero que les haya gustado...

El Hélica: Un automóvil "sin alas"

2012-01-14T12:22:00.000+01:00

Marcel Leyat a los mandos de su invento

Las primeras décadas de la historia del automóvil son sin duda, la de la búsqueda del diseño perfecto. Los diseñadores, que nunca hubieran imaginado que pudieran hacerse realidad sus creaciones, a principios de siglo ven que todo empieza a concretarse. Y surgen multitud de propuestas, a cada cual, más increíble y a veces, descabellada. Poco después de que el automóvil se convirtiera en uno de los mejores modos de transporte individual, estaba también el transporte que era más rápido, el avión. Parece natural que alguien tratara de combinar estas dos características en una sola. Y ese no fue otro que nuestro hombre.

MARCEL LEYAT

El autor de la idea, Marcel Leyat, nació en Drome (Francia) en 1885 y en la prestigiosa Ecole Centrale de París obtuvo el título de ingeniero. En 1907 entró a trabajar en la fábrica de aviones Astra, y en 1913 decidió utilizar su experiencia aeronáutica (poseía la licencia de piloto) poniéndola al servicio del automóvil. Ese mismo año creaba su primer prototipo, el "Héliocycle". Desde el principio, el Héliocycle causaba gran sorpresa por su aspecto, ya que aquel automóvil de tres ruedas parecía un avión sin alas.

1913 Leyat Heliocycle

Los pasajeros se sentaban uno detrás del otro como en un avión. El vehículo era guiado direccionalmente con una única rueda trasera y el coche era propulsado por una hélice gigante y un motor Scorpion de 8 CV colocados en la parte frontal. Toda la estructura era de madera, tenía suspensión independiente en cada rueda y frenos de zapata en las delanteras y pesaba sólo 250 kg lo que lo hacía "peligrosamente" rápido. Había otras personas que también compartían la creencia de Leyat sobre el poder de la hélice. Su teoría era que los coches serían más sencillos (no hay transmisión, eje trasero, o embrague) y más ligeros, por lo que serían capaces de obtener una mejor economía de combustible.

Planos del diseño del Héliocycle

La "fabrica" de los Hélicas de Leyat

El Leyat Helicocycle de 1914 se convirtió en el Hèlica, modelo que debería ser de producción con un cuerpo más pequeño, pero con un motor V2 más poderoso. Pero llego la Primera Guerra Mundial, y el ejército francés requisó todos los automóviles particulares y los prototipos de Leyat también lo fueron. Estos, serían utilizados por el ejército en un regimiento de artillería. Una vez terminada la Guerra Mundial, aprovechando partes de cientos de aeroplanos que ya no eran necesarios para la guerra, funda en 1919 la sociedad, "Mecánica Aeronáutica para el automóvil" en París para la producción y comercialización del "Vehículo a hélice Marcel Leyat". El vehículo lo desarrolló en tres versiones disponibles, abierta, berlina y salón. En 1921, Leyat lo presentó en el Salón del Automovil de París y realizó algunas ventas, además de informar a más de 600 interesados y quién sabe, potenciales compradores.

1919 Leyat Hélica Sport

1921 Leyat Hèlica Sport

En 1924, adaptaría uno de sus vehículos para dar servicio en una vía férrea que una compañía minera francesa tenía en el Congo (África). En estas fotos de arriba -de poca calidad- vemos el invento.

En 1926, realiza ligeras modificaciones en el chasis: la desaparición de las pequeñas aletas de detrás del vehículo, estabilizadores, una nueva suspensión y escape, así como un motor radial de tres cilindros Anzani. Sin embargo, estos cambios no fueron capaces de atraer a mas clientes, y es que desde 1919 que había empezado su producción de forma artesanal, solo había logrado vender 29 vehículos. Entonces Marcel Leyat decidió volver definitivamente a la producción de aviones, que llevaría a cabo hasta 1939.

Modelo Hélica Salón

En 1927, un Hèlica Special alcanzo la velocidad de 171 km/h en el circuito de Montlhéry.

Hasta nosotros solo han llegado -hoy en día- dos vehículos que han logrado sobrevivir al paso del tiempo. Un modelo Salón y un modelo Sport. El Salón de 1922, ha estado siempre en París y en manos de la familia Bouzanquet que lo han ido legando de padres a hijos. Esta matriculado y es plenamente operativo a sus casí 90 años. El modelo Sport de 1921 no esta en tan buen estado y se encuentra en el Museo de Artes y Oficios de París. Además hay seguidores de este singular vehículo que han construido diversas réplicas del mismo.

Marcel Leyat tuvo una larga vida, murió a los 101 años de edad en 1986. Siempre sera recordado como un pionero de la aviación y un visionario en el diseño de automoviles.

Leyat era sobre todo un diseñador de aviones, antes de comenzar la construcción del Hèlica. La foto de arriba es de uno de sus aviones y que voló con éxito. Parece que tener solo dos ruedas, una delante y otra detrás, ayudadas por unos soportes en los laterales de las alas no le impidió tener buenos resultados al despegue y aterrizaje.

Otro diseño aeronáutico de Leyat. En este vemos como la cabina tiene dos estructuras que flanquean el fuselaje y que pueden moverse a voluntad para el tipo de vuelo a realizar. Leyat se especializó en diferentes tipos y sistemas alares para sus aviones. Aquí en este enlace tienen una web dedicada a sus inventos aeronáuticos.

Unas tarjetas publicitarias de la época...

Y para terminar, una vieja filmación en la que veremos un Leyat "Hélica" circulando por París en 1924...

Y en este vídeo se puede ver una réplica de un Hélica y lo ruidoso y difícil de conducir que debía de ser este peculiar vehículo.

Y esto es todo!

Las Hermanas Ross: Cantantes y algo más

2012-01-08T12:15:00.000+01:00

Bueno, después de un mes de descanso reponiendome de mi ajada y maltrecha salud, acompañada además, por si fuera poco, de diversas logísticas domésticas que iban empeorando mi estado a ratos, heme aquí otra vez con ustedes, queridos amigos, seguidores y visitantes ocasionales con un numero muy especial de unas curiosas hermanas, que no trillizas...

Broadway Rhythm es un musical de la MGM en un esplendoroso Technicolor del año 1944. Fue producida por Jack Cummings y dirigida por Roy Del Ruth. La película fue anunciada originalmente como Melodías de Broadway '44 para seguir con la serie de las anteriores películas con el mismo titulo que se habían rodado en los años 1929, 1936, 1938 y 1940. La película iba a ser protagonizada por Eleanor Powell y Gene Kelly, pero Louis B. Mayer había cedido a Gene Kelly a la Columbia para darle la réplica a Rita Hayworth en, "Cover Girl" (1944).

La película entonces, pasaría a ser protagonizada por George Murphy, quien ya había aparecido en Broadway Melody de 1938 y Broadway Melody de 1940. Eleanor Powell fue sustituida por la actriz Ginny Simms. Otros miembros del reparto serían a Charles Winninger, Gloria DeHaven, Lena Horne, Nancy Walker, Eddie "Rochester" Anderson, las hermanas Ross y Ben Blue, así como a Tommy Dorsey y su Orquesta.

Y todo esto que les estoy contando viene a cuento por un numero musical, y muy especial, que protagonizaron las hermanas Ross en esta película. Este vídeo que les traigo, lleva un tiempo dando vueltas por Internet. Pero eso no quiere decir que lo haya visto todo el mundo. Así que antes de seguir, y para quien no lo conozca, veamos el vídeo.

Este es un corte largo de 5:14 minutos. Tengan paciencia, lo bueno empieza en el minuto 1:24...

Después de grabar esta película y coincidiendo con el fin de la 2ª Guerra Mundial, las hermanas iniciaron una gira por Europa, recalando al final en Londres donde actuarían en una revista musical muy exitosa, "Piccadilly Hayride" desde 1946 hasta 1948. También grabaron "Five Minutes More", un gran éxito del año 1946, que luego entraría en el repertorio de gente tan prestigiosa como la Orquesta de Glen Miller dirigida por Tex Beneke (Glen Miller había muerto en un accidente de aviación antes de finalizar la guerra mundial) o de Frank Sinatra.

Poco se conoce de estas mujeres tan particulares. Las hermanas Ross eran Aggie, Maggie y Elmira, que no se sabe por que razón, no utilizaron sus verdaderos nombres que no era otros que Vicki, Dixie y Betsy. Todas nacieron en Texas, pero en diferentes localidades del estado. Así Betsy nació el 20 de junio de 1926 en Colorado. Vicki lo hizo un 8 de noviembre de 1927 en Roscoe y Dixie el 9 de agosto de 1929 en Loraine. Como pueden ven, los señores Ross le habían cogido el gusto a fabricar niños y al mismo tiempo viajar por todo el estado.
Luego, con los años, a finales de los '40 todas se casaron, empezaron a tener niños y ya se les pierde la pista. Pero las hermanas Roos nos dejaron esta increíble actuación en aquel fílm que no nos cansamos de mirar y que no deja de asombrarnos cada vez que la vemos.

Las hermanas Roos, el 11 de septiembre de 1946 en la estación de Waterloo, en Londres, después de desembarcar del transatlántico Queen Mary que las había traído de América. Por lo que se ve, tanta ensalada de patata solida les había pasado factura.

Y esto es todo!

¡Me despido!

2011-12-08T18:10:00.000+01:00

...y mi prima Fuencisla también!

Amigos, después de unos días complicados de trabajo y otras variables como son unas reformas en casa que no terminaran hasta dentro de algunas semanas y un catarro que me quita el sentido, he decidido despedirme de este mundo (bloguero) hasta el año que viene.

Continuaremos la andadura de este blog, dentro de un mes, cuando el día 9 de enero volvamos todos a la dura realidad, que no sera otra que seremos un año más viejos y más pobres. Aunque a algunos les habrá tocado la lotería, seguro que sí. O eso espero, al menos para mí.

De todos modos, y como siempre les digo, seré como el Guadiana, apareceré y desapareceré de sus lugares como Bilbo Bolsón en alguna que otra visita protocolaría.

¡BON NADAL!

Marilyn en Corea

2011-12-03T14:38:00.000+01:00

"Nunca pensé que tenía un efecto así en la gente hasta que estuve en Corea. Fue la cosa más grande que jamas me ha pasado." Marilyn Monroe.

El 16 de febrero de 1954, vestida con botas de combate, pantalones, camisa gris y con dos botones abiertos en la parte superior, llegaba a Corea, invitada por la USO, Marilyn Monroe. Llevaba una pequeña bolsa de maquillaje y un vestido púrpura de corte largo. Ella lo describió como "un vestido de cóctel o algo así. Después de todo, yo no esperaba esto. Veo que no he traído la ropa adecuada" diría.

Marilyn con su segundo marido Joe DiMaggio en Iwakuni, Japón, en febrero de 1954

Marilyn Monroe y Joe DiMaggio eran unos recién casados. Habían contraído matrimonio el 14 de enero de ese año y estaban en Japón en viaje de novios. Es por ello que Marilyn aprovecho para hacer un salto hasta Corea para realizar diez actuaciones en solo cuatro días. Joe se quedaría en Japón por motivos de "agenda". Al final, más de 100.000 soldados la verían cantar y lucir su sex-appeal en los escenarios.

Marilyn había sido transportada en helicóptero desde Seúl a la 1ª División de Marina. "Estaba asustadisima de volar en helicóptero pero traté de no demostrarlo" confeso luego. Antes de empezar su actuación en el frente coreano, Marilyn anunció que no podía ni cantar ni bailar muy bien, pero todo lo que tenía que hacer era inspirar fuerte e intentarlo, cosa que provocó aplausos tremendos en la 1ª la 3ª y la 7ª división del ejército que estaban allí para verla. Pero los 13.000 marines que vieron cantar a Marilyn el primer día no tuvieron queja en absoluto. Se movía por todo el escenario, posando para sus cámaras de izquierda a derecha, repertiendo sonrisas a todos.

Mientras estaban en los actos preliminares, 10.000 soldados empujaban y daban codazos hacia adelante en un esfuerzo por acercarse al escenario. Cuando parecía que iban a romper la línea de la policía militar, a Marilyn se le dijo "esté lista para cualquier cosa", mientras que el comandante del regimiento, el coronel John Kelly, se puso al frente del escenario y detuvo temporalmente el programa. "Están ustedes aquí para pasar un buen rato", gritó. "No es de sentido común que se estén haciendo daño ". Después de acabar su actuación, Marilyn dijo: "Nunca he visto a tantos hombres juntos en mi vida".

Cuando finalmente terminó en la localidad de Taegu las diez actuaciones previstas, estaba muerta de cansancio, pero feliz. "Sabe usted..." le dijo a un oficial, "...Nunca me sentí como una estrella de cine, en mi corazón, antes de llegar a Corea. Este es el punto culminante de todo. Ahora volaré de vuelta a la cosa más importante en mi vida, mi marido Joe. Queremos formar una familia. Y una familia está antes que una carrera".

De vuelta en Japón con Joe DiMaggio, Marilyn le dijo a su marido, "Estoy tan contenta de haber ido a Corea, Joe. Nunca, nunca, olvidare esta experiencia. Tan cierto como que yo te amo." Hombre de pocas palabras, asintió con la cabeza condescendientemente. Sin embargo, se preguntó cuánto tiempo más tendría que compartir su esposa con el mundo.

Unos meses después, el 27 de octubre de 1954, DiMaggio y Marilyn se divorciaron.

Vemos que en el carnet que le hizo el ejercito, figura su verdadero nombre con el apellido de casada.

No se pierdan estos vídeos de aquellos días

Diseños Aerónauticos Imposibles

2011-11-24T15:47:00.000+01:00

No lo puedo asegurar, pero dudo que algún cacharro de estos llegara a volar nunca. O al menos la mayoría de ellos...¿Y ustedes que opinan?

Si se dice que una imagen vale más que mil palabras, en este caso, dos vídeos valen más que dieciséis imagenes...

Todas las fotos son propiedad de LIFE

Y otro día más....

Mónica Lewis, un ícono americano

2011-11-09T19:14:00.000+01:00

Puede que el nombre de Mónica Lewis no les diga nada, pero tienen que saber que después de casi dos décadas, a lo largo de los años '40 y '50, esta mujer reinó como una de las voces más sensuales y melódicas de los Estados Unidos. Una carrera que abarcaría actuaciones en clubs nocturnos, grabación de discos, radio, teatro y cine.

Denle al Play... mientras leen...

Mónica fue la voz ideal, la imagen sana y sexy de pelo rubio, dando con su voz melodiosa esperanza a miles de soldados de EE.UU. a través de dos de las guerras del siglo XX: La 2ª Guerra Mundial y la Guerra de Corea. Ella fue esa chica de portada de sonrisa maravillosa y uno de los anuncios más buscados de América por sus piernas del millón de dólares.

Dando clases de canto con su madre Jessica

Mónica Lewis nace en Chicago, el 5 de mayo 1922. Era la menor de tres hermanos, nacidos de una pareja de padres artistas: Su padre, León, era compositor, director de orquesta y pianista, y su madre, Jessica, cantaba con la Compañía de Opera de Chicago. Después, la Gran Depresión y sus consecuencias, obligó a la familia Lewis a trasladarse de Chicago a Nueva York, donde no había escasez de trabajo. Cargaron sus pertenencias en un viejo Pierce Arrow y hacía allí fueron. La hermana de Mónica, Bobbe, se estableció como una pianista consumada, mientras que su hermano, Marlo, sería el co-creador del programa de T.V. "Talk of the Town" con Ed Sullivan (más tarde pasaría a llamarse "The Ed Sullivan Show"). Ella mientras tanto, estudiaba canto y declamación con su madre.

CBS Radio "La Hora de Chesterfield" (1945)

Emitiendo un programa de radio con Monica Lewis

Los comienzos de Mónica fueron casi por casualidad, así lo cuenta ella:

- Yo estaba caminando por la calle con mi padre y nos encontramos con un agente que él conocía. Le dijo:

- "Mi niña es una gran cantante".

El agente le contesto:

- "Si usted me dice que ella puede cantar, entonces yo sé que ella puede."

-Quedamos para hacer unas fotos y unas audiciones. Todavía tengo esas fotos. Hicimos audiciones en Baltimore, Filadelfia y Boston. Mi mamá me acompañó.

CBS Radio "La Hora de Chesterfield: La música que satisface" Nueva York (1945)

A los diecisiete años abandona la universidad y consigue trabajo en una radio despertador, la WHN de Nueva York. Allí, por veinticinco dolares a la semana, despierta a las seis de la mañana a sus oyentes con sus canciones. Aunque su gran oportunidad llegaría cuando su amigo Leonard Feather la llamo para una audición con Benny Goodman.
-¿Puedes estar ahí esta tarde? le preguntó.

Peggy Lee, la solista, se había fugado con Dave Barbour, el guitarrista, y necesitaban una cantante para ese mismo día. Se presento en el "Stork Club" juntamente con otros cientos de mujeres a las tres de la tarde. Pero cuando le toco a ella, Goodman le dejo cantar la canción completa. Al terminar, le dijo:

- "A las siete y media esta noche. Estas contratada".

1940's NYC Bop Hope Radio Show

Solo estuvo unas semanas, la orquesta de Benny Goodman salía de gira, pero los padres de Mónica no dejaron que ella fuera con ellos. Aunque la semilla ya estaba echada. La gente de Cigarrillos Chesterfield la llamó. Tenían un programa de radio con Perry y Jo Stanfford tres noches a la semana y querían a alguien nuevo y fresco para las otras dos. En ese show a nivel nacional, ella cantaría canciones que pudieran ser éxitos y la mayoría de veces lo lograba. A partir de aquel momento, su nombre fue conocido de costa a costa.

1940's Portada de su primer album, "Canciones" de Signature Records

Empezó a grabar discos. Su primera compañía fue Signature Records. Cantaba de todo, jazz, melódica... Canciones de Gershwin, Irving Berlin, Jerome D. Kern etc...No se le resistía nada, y en todas, ponía su sello personal. También grabo para las compañias Decca y Capitol éxitos de siempre como "Autumn Leaves" "Fools Rush In" o "I Wish You Love". Ella sería la primera cantante en grabar "Echa la culpa a Mame", ya saben, la famosa canción que "cantaba" Rita Hayword en "GILDA". Pongo entre paréntesis cantaba, ya que no se si saben que Rita lo hizo en playback. Quien verdaderamente puso la voz fue la cantante Anita Ellis.

¿Escuchar Put The Blame on Mame?

"Harvest Moon Ball" con Ed Sullivan. Nueva York (1947)

También la reclamaría la incipiente televisión. Se encontraba realizando espectáculos en teatros con Ed Sullivan, cuando su hermano Marlo les propuso hacer el programa televisado. Así nació "The Ed Sullivan Show". ¡Y Mónica estaba en el primer programa! Eso fue alrededor de 1948, y algunos de esos programas fueron grabados en color. Todos reclamaban su presencia. El Show de Bop Hope, el Show de Danny Thomas, e incluso el dúo rey de la comedia de aquellos años, Dean Martin y Jerry Lewis con los que actuaría en el Club Copacabana de Nueva York.

Cartel del fílm "Entre dos Mujeres" en que Mónica tenía un destacado papel (1953)

Cartel promocional de la película de Warner Bros "The D.I." (1957)

De grabar discos y programas de televisión, no fue raro que el cine llamara a su puerta. En 1950 la Metro-Goldwyn-Mayer le hace un contrato en exclusiva. Desarrollarían su aspecto y voz en papeles románticos en películas como Inside Straigt (1951) Excuse my Dust (1951) o Entre Dos Mujeres (1953) con Victor Mature y Jean Simmons, además de otros títulos...

Con Danny Kaye llegando a Corea para actuar ante las tropas U.S. (1951)

Cantando ante la 2ª Division de Infantería (1951)

En 1951 aceptó la propuesta de la "USO" para que viájara con el actor y cómico Danny Kaye a entretener la tropas estadounidenses que estaban destinadas en Corea del Sur. Viajaron a diferentes localizaciones y su éxito fue total. De vuelta a casa, Mónica estaba en la cúspide de su carrera. Era numero uno en las listas de éxitos, era "Miss Piernas-O-Génica" la imagen a nivel nacional de Medias Burlington Mills. Su cara era de lo más popular en el mundo de la publicidad. La Cerveza Piel's Light, los cigarrillos Camel, o General Eléctric eran algunas de las marcas que utilizaban su imagen. Con Chiquita Brands, tendría una relación comercial de, ¡14 años! como la voz de "Miss Chiquita", en los anuncios de la famosa marca de bananas.

Dando voz a "Miss Chiquita"

Mónica con Ronald Reagan

En el aspecto sentimental, se le achacaron numerosos romances con gente como, Frank Sinatra, Kirk Douglas, Milton Berle o Richard Rogers. Con Ronald Reagan llegaría a tener una relación de casí dos años y estuvieron a punto de casarse. Pero apareció en escena Jennings Lang. El flechazo fue instantáneo. Lang era un prometedor guionista y productor de MCA/Universal y estaba llamado a producir algunas de las más famosas películas de desastres, en la moda de películas catástrofistas que tendrían lugar en los años venideros.

Con su ya marido, Jennings Lang

En 1956, Mónica contrajo matrimonio con Lang. Sería su esposa y la madre de los dos hijos pequeños que anteriormente había tenido él en otro matrimonio: Michael, ahora un reputado pianista de jazz, y Robert, un prestigioso abogado. En común tendrían un hijo, Rocky Lang. Este, ahora es un destacado guionista y director en Hollywood.

Monica Lewis para Metro-Goldwing-Mayer Publicity (1952)

A pesar que cambió su carrera de cantante y actriz para ser la señora de Lang y la maternidad, jamas dejo de aparecer en pequeños papeles y cámeos. Muchas veces no estaba ni en los créditos. Pero no dejo de actuar y cantar. Actuó en los '50 y '60 en series como Peter Gunn, Johnny Stacatto, Laramie, El Virginiano, Ironside o Falcon Crest además de muchas otras. En los años '70, gracias a la producción de su marido como ya he apuntado, Mónica sería una habitual en las películas de catástrofes, actuando en Montaña Rusa, Aeropuerto '77, The Concorde-Aeropuerto'79 o Terremoto con Charlton Heston.

Mónica recién casada, se va a jugar al tenis. Comenzaba una nueva vida más apartada de las actuaciones y de Hollywood.

Jennings Lang moría en 1996 después de una larga enfermedad y tras haber pasado junto a Mónica 40 años de feliz matrimonio. Ella grabaría al año siguiente un CD en memoria de su marido, editado por Equinox. Sus discos han sido reeditados recientemente y es fácil encontrarlos en tiendas digitales y en descarga directa vía Spotify e iTunes. Mónica vive en la actualidad en Northridge, Los Angeles, cerca de la casa de su hijo Rocky y ha pasado los últimos años escribiendo sus memorias a las que ha titulado "Hollywood a través de mis ojos: Vida y amores de una sirena en la Edad de Oro"

Mónica Lewis, un icono de aquellos años, es la prueba de que una gran voz y una gran personalidad puede sobrevivir a lo largo del tiempo para deleite de las futuras generaciones.

GALERÍA

Mónica canta "Kiss and Run" en el fílm, "Entre dos Mujeres" RKO Pictures (1953)

Mónica con Kirk Douglas en 1949

Monica Lewis invitada en "The Alan Young Show" (1950's)

Con Frank Sinatra en "La hora de Chesterfield: La musica que satisface" CBS (1945)

Portada en la revista "Disc, The Record Magazine" Noviembre (1947)

Monica Lewis para Metro-Goldwing-Mayer Publicity (1950)

Portada en la revista musical "Down Beat" Abril (1945)

Foto promocional de "Miss Piernas-O-Génica" de Medias Burlington Mills (1952)

Con Elizabeth Taylor visitando un hospital de heridos por la guerra de Corea (1951)

Grabando un disco para Decca Records NYC (1949)

Un anuncio en pagina completa de modelos de radio de General Electric. (1947)

Canción latina en "The Strip" (1951)

Campaña publicitaria de Pepsi Cola (1940's)

Otro anuncio de General Eléctric a pagina completa (1940's)

Esta fotografía apareció por primera vez en la revista "Barras y Estrellas". Se debatió durante un tiempo si había posado desnuda. Años después lo desmintió, llevaba un bañador sin tirantes detras del disco. (1940's)

Monica Lewis para Metro-Goldwing-Mayer Publicity (1950)

Album "Cancion para los Marines" Verve Records (1957)

En una pausa del rodaje del musical "Todo lo que tengo es tuyo" de la MGM (1952)

Cartel de "Excuse My Dust" de Warner Bros con el comico Red Skelton. También actuaba Mónica Lewis (1951)

Cantando "That's For Children" en el fílm Excuse My Dust (1951)

Monica Lewis para Metro-Goldwing-Mayer Publicity (1950)

En una actuación en un teatro

En "The Merv Griffin Show" con Mónica Lewis, Jack Lemon, y Jimmy Stewart.

Si dominan el ingles y desean saber más de esta sirena de aterciopelada voz con anécdotas, historias y más fotografías inéditas solo han de hacerse con su libro...

AQUÍ

FOTOGRAFÍA ERÓTICA

2011-11-02T16:24:00.000+01:00

FOTOGRAFÍAS DE AMANTES. Años '20

La fotografía erótica ya empezó en el siglo XIX. No paso mucho tiempo en que los fotógrafos, de fotografiar paisajes y retratos, a un avispado se le ocurriera fotografiar chicas desnudas. Se habría así un floreciente negocio, eso si, fuera de la ley, en que desde kioscos y gasolineras se ofrecían fotografías de chicas desnudas posando como su madre las trajo al mundo. Se solían vender por unidades, aunque lo más normal fuera en series de media docena.

Los temas también eran variados: Mujeres solas, chicas en actitudes claramente lesbianas, escenas sadomasoquistas, o como las que les traigo hoy, parejitas de enamorados. ¡Que las disfruten!

OTRO DÍA MÁS...

La construcción de la Estatua de la Libertad

2011-10-26T16:56:00.001+02:00

«La Libertad iluminando el mundo» (Liberty Enlightening the World), conocida como la Estatua de la Libertad, es uno de los monumentos más famosos de Nueva York, de los Estados Unidos y de todo el mundo.

Se encuentra en la isla de la Libertad al sur de la isla de Manhattan, junto a la desembocadura del río Hudson y cerca de la isla Ellis. La Estatua de la Libertad fue un regalo de los franceses a los estadounidenses en 1886 para conmemorar el centenario de la Declaración de Independencia de los Estados Unidos y como un signo de amistad entre las dos naciones.

Fue inaugurada el 28 de octubre de 1886 en presencia del presidente estadounidense de la época, Grover Cleveland. Por lo tanto, en los próximos días, se cumplen 125 años de aquel evento. La estatua fue obra del escultor francés Frédéric Auguste Bartholdi y la estructura interna fue diseñada por el ingeniero Gustave Eiffel. El arquitecto francés Eugène Viollet-le-Duc, estuvo encargado de la elección de los materiales utilizados para la construcción de la estatua.

La Estatua de la Libertad, además de ser uno de los monumentos más importantes de la ciudad de Nueva York, se ha convertido en un símbolo en los Estados Unidos y representa, la libertad y emancipación con respecto a la opresión. Desde su inauguración en 1886, la estatua era la primera visión que tenían los inmigrantes europeos al llegar a Estados Unidos tras su travesía por el océano Atlántico. En términos arquitectónicos, la estatua recuerda al famoso Coloso de Rodas, una de las «siete maravillas del mundo» ya desaparecida.

Estas imágenes fueron tomadas por el fotógrafo Albert Fernique durante la construcción de la estatua de la libertad en diferentes momentos de la misma y son propiedad de la Colección de la Biblioteca Pública de Nueva York. Si quieren ampliar la historia de esta estatua, la Wiquipedia tiene una magnifica entrada que yo no voy a saber mejorar, AQUÍ

Ya saben que clicando encima de las imagenes podrán verlas con mas detalle.

Otro dia más...

Automóviles a leña

2011-10-19T17:32:00.003+02:00

Los automóviles a gas de madera (también conocido como coches a gasógeno) son una alternativa no muy elegante, pero eficiente y ecológica, mientras que su rango es comparable a la de los coches eléctricos.

El primer uso de la gasificación de la madera es antiguo, se remonta a 1870, cuando fue utilizado como un precursor del gas natural para la iluminación de las calles y las cocinas. La gasificación de la madera es un proceso por el que se convierte materia orgánica en un gas combustible bajo la influencia del calor que en el proceso alcanza una temperatura de 1.400 ° C .

En la década de 1920, el ingeniero alemán Georges Imbert, perfeccionó y desarrolló un generador de gas de madera para un uso móvil. El generador de Imbert fue producido en masa desde 1931. A finales de la década de 1930, cerca de 9.000 vehículos a gas de madera se utilizaban casí exclusivamente en Europa.

Durante la Segunda Guerra Mundial, casí todos los vehículos motorizados en la Europa continental se reconvirtieron en el uso de leña como combustible. Esta tecnología se convirtió en algo común en muchos países europeos -incluida España- como consecuencia del racionamiento de los combustibles fósiles. Sólo en Alemania, alrededor de 500.000 vehículos a gasógeno estaban en funcionamiento a finales de la guerra. Una red de cerca de 3.000 "leñeras", fue creada , donde los conductores podrían abastecerse de leña. No sólo los vehículos particulares, sino también camiones, autobuses, tractores y motocicletas, estában equipados con una unidad de gasificación de madera.

Pero para el uso militar, los alemanes prefirieron la producción de combustibles líquidos sintéticos (hechos de madera o carbón). En total, más de un millón de vehículos productores de gas se utilizaron durante la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra, como la gasolina volvió a estar disponible, la tecnología cayó en el olvido de forma casi instantánea. A principios de la década de 1950, la entonces Alemania Occidental, sólo contaba ya con 20.000 vehículos a gasógeno.

En 1957, el gobierno sueco creó un programa de investigación para prepararse para una transición rápida a los coches de gas de madera en el caso de una repentina escasez de petróleo. Suecia no posee reservas de petróleo, pero tiene inmensos bosques que se pueden utilizar como combustible. Los objetivos de esta investigación fue desarrollar una instalación mejorada y estandarizada que se pudiera adaptar para su uso en todo tipo de vehículos.

Esta investigación, apoyada por el fabricante de automóviles Volvo, condujo a una gran cantidad de conocimientos teóricos y experiencias prácticas en vehículos de carretera y de otros tipos, realizándose más de 100.000 kilómetros en pruebas. El combustible para un coche de gas de madera se compone de virutas de madera o trozos de madera. En principio, cualquier material orgánico se puede utilizar. Durante la Segunda Guerra Mundial, el carbón y la turba se utilizaron también, pero la madera era el combustible principal.

A pesar de su aspecto industrial, el rendimiento de un coche de gas de madera queda bastante bien parado desde un punto de vista ecológico, en comparación con otros combustibles alternativos. La gasificación de la madera es un poco más eficiente en la leña, ya que sólo el 25 % del contenido energético del combustible se pierde. El consumo de energía de un automóvil a gasógeno es alrededor de 1,5 veces mayor que el consumo de energía de un coche similar que funcione con gasolina (incluyendo la energía perdida durante el precalentamiento del sistema y el peso adicional de las máquinas). Si la energía necesaria para extraer, transportar y refinar el petróleo también se tiene en cuenta, el gas de madera es al menos tan eficaz como la gasolina. Y por supuesto, la madera es un combustible renovable. La gasolina no lo es.

Esquema de funcionamiento de un motor a gasógeno

Fotografia de postguerra, en una ciudad europea, coches y autobuses con sistema de gasógeno

Un motor a gasógeno produce menos contaminación del aire que uno de gasolina o de motor Diesel. La gasificación de la madera es mucho más limpia que la quema de madera: las emisiones son comparables a los de la quema de gas natural. Un coche eléctrico tiene el potencial para hacerlo mejor, pero la energía que consume debe ser generada por fuentes renovables, lo cual es no es un sistema deseable.

Camión a gasógeno

A pesar de todas estas ventajas, sólo se necesita una mirada a un coche de gasógeno darse cuenta de que es cualquier cosa menos una solución ideal. El motor de gas ocupa mucho espacio y fácilmente puede llegar a pesar unos cientos de kilos aún vacío. El tamaño del equipo se debe al hecho de que el gas de madera tiene un bajo contenido energético. El valor energético del gas de madera es de alrededor de 5,7 MJ por kg, en comparación con los 44 MJ/kg de gasolina y 56 MJ / kg para el gas natural .

El gas de madera consiste en aproximadamente un 50 % de nitrógeno, un 20 % de monóxido de carbono, 18 % de hidrógeno, 8 % dióxido de carbono y 4 % de metano. El nitrógeno no contribuye a la combustión, mientras que el monóxido de carbón es un gas de combustión lenta. Debido a este alto contenido de nitrógeno, el motor recibe menos combustible, lo que conduce a una salida del 35 al 50 por ciento. Debido a que el gas se quema lentamente, un alto número de revoluciones no es posible. Sería imposible fabricar un coche deportivo con este sistema.

Los escarabajos de Volkswagen que salieron de la línea de montaje durante la Segunda Guerra Mundial tenían el mecanismo de la gasificación de madera construido interiormente. Desde el exterior, el generador de gas de madera y el resto de la instalación eran invisibles. La recarga se realizaba a través de un agujero en el capó.

El "antiguo" Afganistán

2011-10-12T09:15:00.000+02:00

Afganistán no siempre fue como estamos acostumbrados a verlo por la televisión. Antes del golpe de estado de 1973 que derrocó la monarquía del rey Zzahir Shah -la conocida como Revolución de Saur- y que sumió al país en una especie de dictadura comunista en la que al final, y debido al hostigamiento de los fundamentalistas islámicos, daría lugar a una intervención soviética en 1979. Intervención, que luego, desembocaría en una guerra civil. En 1989 se retiraron los soviéticos pero la guerra prosiguió hasta la llegada de los talibanes en 1996.
En 2001 se llevo a cabo la invasión del país por parte de los americanos con ayuda de una coalición internacional, para derribar el gobierno talibán y su política de apoyo al terrorismo fundamentalista, en respuesta a los ataques a las Torres Gemelas...el resto, ya es historia. Antes de eso, como iba diciendo, sus vidas y sus gentes se asemejaban más al estilo de vida occidental de todos conocido. He aquí la prueba...

El campus de la Universidad de Kabul. Los estudiantes de los años '50 y '60 preferían el estilo occidental de vestir y los jóvenes de ambos sexos interactuaban con relativa igualdad.

En los parques siempre había una gran cantidad de niños con sus madres. Ahora en los parques urbanos solo se encuentran hombres, y traer niños aquí, ya no es seguro.

En esos años las mujeres podían hacer carrera en campos como la medicina o enfermería. Hoy, la educación de las mujeres en las escuelas, son el blanco de constantes ataques de los talibanes.

En la década de 1960, casí la mitad de la población de Afganistán tenía acceso a servicios de salud. En la actualidad, los escasos hospitales están saturados, y uno de cada cuatro niños no llega a cumplir los cinco años.

El gobierno central de Afganistán llevo a cabo diversos programas de desarrollo en la vida rural, incluyendo la que se muestra en esta foto: enfermeras enviadas con todo terrenos a las aldeas remotas para tratar a la gente de sus enfermedades. Ahora, a causa de la inseguridad, es imposible. Los trabajadores de salud del gobierno son a menudo atacados por grupo de talibanes que causan el terror y la muerte en los convoyes de ayuda.

Una vez en Afganistán hubo campamentos de Boys Scouts. Entre los años 1950 y 1960, estas organizaciones fueron muy populares a semejanza de las que había en los EE.UU. y otros países europeos. Los niños y niñas de la escuela primaria y secundaria aprendían sobre la naturaleza y a relacionarse entre si.

Hoy en día, las fabricas de muebles, -como ésta- son una verdadera rareza. La mayoría de los muebles son fabricados fuera de Afganistán, y sólo un pequeño porcentaje de los afganos tienen mobiliario en sus hogares.

Con la ayuda de Alemania, Afganistán construiría su primera planta hidroeléctrica (en la foto) en los años 50. En ese momento se trataba de una gran obra de ingeniería. Aún funciona, pero por desgracia, en los últimos ocho años, el gobierno afgano no ha construído las estaciones de energía prometidas. El único proyecto importante del gobierno es completar la ampliación de la línea de transporte a Uzbekistán.

Antiguamente, existían industrias pequeñas y medianas, como esta fábrica de ropa en la foto. Se tenía la sensación de que Afganistán tenía un futuro brillante. Su economía estaba en auge. Entonces la mayoría del algodón era procesado en planta y cultivado a mano. Pero 30 años de guerra han destruido la cadena de la industria, la oferta y la demanda.

Las mujeres podían moverse libremente. Trabajaban fuera de su casa y tenían cierta independencia. Luego llego el fundamentalismo que las relegó a menos que nada y las encerraría en una cárcel de tela llamada burka.

En las calles de Kabul, se podía pasear viendo escaparates iluminados por la noche como en cualquier lugar del mundo sin problema alguno. Se podía comprar casí de todo.

El nivel de estudios de la administración en Kabul es ahora mucho menor que hace 50 años cuando se hizo esta foto. Entonces, la mayoría de los funcionarios eran licenciados o doctorados. El estilo occidental en la vestimenta era la norma. Hoy en día, en las reuniones del gobierno en Kabul, solo se encuentran hombres con barba larga, con turbantes y vestidos tradicionales.

Las fuerzas de defensa de Afganistán ya son historia. Después de que las tropas soviéticas se retiraran del país y desde la guerra civil de la década de 1990, la constante presión de los talibanes y la intervención de EE.UU., las fuerzas de seguridad locales son muy difíciles de organizar, incluso teniendo en cuenta que la seguridad sigue siendo la preocupación más importante en el país.

En este cine y en otros muchos de otras ciudades, era posible ver el estreno de una película de Hollywood o algún espectáculo teatral.

En la foto, el Centro de Investigación para la Producción de Vacunas en Kabul, en la década de 1960. Hoy en día, los servicios médicos están limitados por varios factores, incluyendo la falta de electricidad. Menos del 20% de los afganos tienen acceso a la electricidad, muchas casas se han de iluminar con lámparas de aceite y no hay sistemas de calefacción para el frio invierno afgano.

Los mercados estaban bien abastecidos y se podían encontrar toda clase de frutas y verduras. Ahora el desabastecimiento es casí la norma y los precios son prohibitivos para la mayoría de los afganos.

Anteriormente, la educación era muy apreciada. Si estudiabas y sacabas buenas notas, tenías la oportunidad de cursar estudios superiores, e incluso estudiar en el extranjero, para formar parte de la clase media. Hoy en día, no ven la conexión entre la educación y una vida mejor. Por el contrario, ven que aquellos que han alcanzado poder y riqueza, lo han logrado por medios ilegales como el contrabando o el cultivo del opio.

En las tiendas de discos se podía comprar música autóctona o el último éxito de Elvis Presley o de los Ink Spots. Los talibanes llegarían a prohibir cualquier tipo de música y mucho más, su radiodifusión en las ondas. Se destruyeron todas las radios y aparatos electrónicos. Sumieron al país en la Edad Media.

Y aquí lo dejamos...

La mujer de cuatro piernas

2011-10-05T17:18:00.000+02:00

Josephene Myrtle Corbin, la mujer de cuatro piernas, nació en el condado de Lincoln, Tennessee, en 1868. En lugar de tener un gemelo parásito, Myrtle fue el resultado de una forma aún más rara de hermanamiento unido, conocido como "Dipygus", que le dio dos cuerpos completos de la cintura para abajo. Tenía dos pelvis pequeñas de lado a lado, y cada una de sus pequeñas piernas interiores era emparejada con una de sus piernas exteriores. Podía mover las piernas más pequeñas, pero desde luego no le servían de nada. A la edad de 19 años, se casó con un médico llamado Clinton Bicknell y tuvo cuatro hijas y un hijo. Se ha dicho que tres de sus hijos nacieron a partir de uno de los conjuntos de órganos sexuales, y los otros dos del otro. Trabajó para P. T. Barnum y para el circo Ringling Brothers. Myrtle murió el 6 de mayo de 1928.

Del libro "Anomalías y Curiosidades de la Medicina" de George M. Gould y Walter Pyle L. se extrae este texto referente a Josephene...

...El doctor Wells describe a la señora B., de veinte años, en buen estado y saludable. La duplicación en este caso, comienza justo por encima de la cintura, la columna vertebral que divide a la tercera vértebra lumbar, por debajo de este punto todo es doble. La micción y la defecación se producen en momentos diferentes, pero la menstruación se produce de forma simultánea. Se casó a los diecinueve años, y quedó embarazada un año después, en el lado izquierdo, pero el aborto fue inducido en el cuarto mes a causa de náuseas y la expectativa de un embarazo imposible. Whaley, al hablar de este caso, dijo que la señora B. podía utilizar sus piernas interiores, sino que también señala, que, cuando se le informó de que estaba embarazada en el lado izquierdo ella respondió: "Creo que está equivocado, si se hubiera referido a mi derecha me lo creería" después de más preguntas que le formuló, a partir de la observación de la paciente, era que su genital derecho se utilizaba casí siempre para el coito...

(el nombre de la Sra. B. se refiere al nombre de casada de Myrtle, Bicknell.)

Las chicas de Peter Driben

2011-09-28T17:21:00.001+02:00

Peter Driben y su esposa Louise

Peter Driben fue y a sido uno de los más prolíficos artistas de temática pin-up de los años '40 y '50 y con su trabajo ilustró las portadas de una gran cantidad de revistas de chicas medio desnudas tan en boga en aquellos años.

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Peter Driben nació en Boston el 22 de octubre de 1903. Sus padres George y Anna eran judíos rusos que habían emigrado de Kiev en 1895 durante un trágico pogrom a los Estados Unidos. Estudió en la Escuela de Arte Vaesper George antes de viajar a París para empezar a estudiar en la Sorbona en 1925. Su primera pin-up conocida fue para la cubierta de Tattle Tales en octubre de 1934 y para 1935, su producción ya se repartía por las revistas Snappy, Pep, New York Nights, French Night Life y Caprice. Su carrera iba viento en popa en los años treinta y al final de la década realizaba cubiertas para las revistas Silk Stocking Stories, Gay Book, Movie Merry-Go-Round y Real Screen Fun. Su carrera no se limitaba solo a las portadas de revistas, trabajó también en publicidad y en Hollywood.

Años '20. En París Peter ilustraba revistas dedicadas a las coristas y a la vida nocturna de la ciudad como las bailarinas del burlesque erótico.

Quizá su obra más famosa es la de los carteles originales y publicitarios de El Halcón Maltés. Peter Driben era también amigo del presidente de la Editorial Robert Harrison, y en 1941 fue contratado por la misma para producir las portadas de su nueva revista, "Harrison's Beauty Parade". Driben con el tiempo llegó a ilustrar las cubiertas para todas las revistas de Harrison, incluyendo Eyeful, Titter, Wink, Whisper y Ten, a menudo con... ¡seis o siete de sus portadas para publicar todos los meses! Ya he dicho que fue un tipo prolífico. El estilo que desarrolló en la nueva editorial fue el aumentar los colores vivos dejando de lado los colores pasteles.

El cambio gustó, ya que Harrison aumento las ventas gracias a las portadas del amigo Peter. Ese mismo año Driben pasaría por el altar con la artista, actriz y poeta, Louise Kirby a la que había conocido algunos meses antes. En 1944 se le ofreció un trabajo de lo más inusual para un artista del pin-up, convertirse en el director de arte de un periódico, el New York Sun, un puesto que mantendría hasta 1946. Durante la guerra, su popular pintura (pero que no he sido capaz de encontrar en la red) de los soldados americanos izando la bandera en Iwo Jima, provocó una considerable atención de los medios hacía su trabajo.

Ilustraciones para "Historia del Arte" (1936-1938)

En los años posteriores, Driben se reconvirtió al igual que otros colegas, a la pintura y los retratos, entre ellos, el retrato del presidente Dwight Eisenhower. En 1956, la pareja se mudo a Miami Beach (Florida) allí su esposa Louise le organizaba exposiciones de pintura. Tuvieron mucho éxito. En marzo de 1963, inauguraron la "Peter Driben Estudio Gallery" en el 222 de Sunrise Avenue en Palm Beach, lugar en el que vendían su obra y se les podían realizar encargos. Por allí pasarían personalidades locales, políticos, escritores y actores. Así fueron pasando los años mientras vivían una plácida jubilación, hasta que el pobre Peter murió en septiembre de 1968. Louise le acompañaría en el más allá en 1984.

GALERIA

Desfile de Bellezas (1942)

Retrato de Ronald Reagan

Artesanía y Aficiones Populares ( Junio-1937)

Noches de Nueva York (1936)

Peliculas de Humor (1937)

Ilustración para Joker (1943)

Whisper (Mayo 1953)

Joker, ilustración para "Jap General y el vestido rojo" (1943)

Desfile de Bellezas (1946)

Historias de Medias de Seda (1938)

Detective (1947)

Artesanía y Aficiones Populares (Abril,1937)

Medias de Seda (1938)

Fotografïas Post-Morten

2011-09-22T15:25:00.000+02:00

A finales del siglo XIX, principios del XX y por macabro que pueda parecernos ahora, existía la costumbre de retratar a los seres queridos que habían fallecido como si todavía estuvieran vivos. Se les colocaba con sus mejores ropas y se les fotografiaba como si estuvieran durmiendo. Esto se hacia para que la familia pudiera recordarlos como en vida.

Existe una importante cantidad de fotografías de ese tipo, debido el alto índice de mortalidad infantil de dicha época, (la mayoría de los fallecimientos se debieron a los escasos recursos médicos en esos tiempos, como a la pobreza en muchos de los casos). Una familia común sumaban entre 8 y 10 hijos de los cuales solían fallecer la mitad. Tomando en cuenta ese contexto, las fotografías del niño fallecido junto a sus padres y/o hermanos, o simplemente el niño muerto, estaban comprensiblemente aceptadas. "Se retratan cadáveres a domicilio, a precios acomodados...". Este tipo de anuncios era la forma en que habitualmente promocionaban sus servicios los fotógrafos en el siglo XIX.

La fotografía mortuoria era mucho más común en aquella época que la de los nacimientos, bodas o vacaciones. Por los años veinte del siglo XX comenzaron a adoptarse nuevas tendencias que alcanzaron incluso la fotografía post-mortem. De esta forma, los fotógrafos comenzaron a presentar a los muertos bajo nuevos ángulos y perspectivas: detalles de las manos o de otras partes del cuerpo, con desenfoques selectivos muy controlados y realizando primerísimos planos de ciertas zonas del fallecido, o bien imágenes muy cercanas al fotoperiodismo actual.

Son tomas que en muchos casos resultan impresionantes por su dramatismo y cuidada iluminación. Ya bien entrado el siglo XX, bajó la mortalidad infantil (que era de un 30% a 50% ) y la fotografía se abarató llegando ya a todas las clases sociales. Ahora las familias preferían tener recuerdos de sus momentos más felices en vida, y aquella práctica fue cayendo cada vez más en desuso.

Si les ha interesado y quieren ver más fotografías de este tipo, apaguen las luces, enciendan sus altavoces y denle al play a este vídeo que he localizado en la red.

Premio "Blog Amigo"

2011-09-20T19:28:00.000+02:00

Estos días pasados y en la anterior entrada, ya saben ustedes que recibí un empujoncito de envanecimiento gracias al amigo Pedro de Mingo, que tuvo a bien otorgarme la décima parte de su premio "Fidélitas", recién creado en conmemoración del aniversario de su blog, y que tanto le agradezco.

Pues bien, otro bloguero de pro, de nombre deWitt y administrador de la bitácora cinematográfica y cinéfila "YO CONFIESO", ha tenido a bien conceder su mención especial a este lugar por, según sus palabras..."descubrirme nuevas imágenes". Lo cual, miren, me alegra y satisface que así sea. En "YO CONFIESO" no encontraran críticas o soliloquios de la ultima de "Conan" o de "Piratas del Caribe" No, ahí les esperan entretenidos y sesudos análisis de -por ejemplo- los títulos de crédito de Saul Bass, de la -aparente- impasibilidad de Greta Garbo o de la -inteligente- mordacidad de Willy Wilder. No esperen más, visiten el lugar, que seguro que se quedan como hice yo, clicando AQUÍ

PD: Después de una semana con el ego por las nubes, les espero el jueves con una nueva y, esta vez, terrorífica entrada.

Premio Fidélitas

2011-09-17T12:42:00.001+02:00

El amigo e historiador Pedro de Mingo, administrador del blog ESPAÑA ETERNA, dedicado monotemáticamente a las historias de nuestra España y en conmemoración de su primer aniversario -y espero que también en los siguientes- ha creado el premio "Fidélitas" (muy bonito por cierto) a sus lectores más fieles.

Y entre los merecedores de su primer premio, ha pensado en este humilde blog y de quien lo escribe. Agradecido le quedo por el detalle, y paso a poner su mención en la vitrina lateral con gran satisfacción.

Y si no conocen todavía -seguro que si- ESPAÑA ETERNA, no esperen más. Visiten un lugar en el que les descubrirán la historia de nuestro país de una forma amena y original en este ENLACE.

Fotografías de Londres en 1880

2011-09-14T00:26:00.000+02:00

En 1880, la "Sociedad de las reliquias de la vieja Londres" fue creada para fotografiar una serie de edificios de la ciudad, que posteriormente serían demolidos para mejorar la planificación de la ya caótica capital. Con el largo tiempo de exposición que era necesario, parece que la ciudad este vacía, a excepción de algunas personas que quisieron salir en las fotos y que tuvieron que estar quietas largo rato. (Dejar que cargue la pagina)

El avión gaviota de W. L. Bonney

2011-09-07T19:28:00.000+02:00

Leonard Warden Bonney (4 de Diciembre 1884 - 4 de Mayo 1928) fue un pionero de la aviacion americana. Nació en Wellington, Ohio en 1884. Curso sus estudios en la Oberlin University. En 1910 y 1911, y formado en la escuela de los hermanos Wrigth, volaría con ellos y con su "Equipo de Exhibición Wright" por todo el país y fue uno de los primeros 50 pilotos con licencia aeronáutica con el nº 47 A.

Leonard Warden Bonney

En 1912 trabajó para la Compañía de Aviones Sloan, y en 1913 fue piloto de pruebas para la Compañía de Aviones Amas, en Washington DC. En 1918 llegaría a ser gerente general de la empresa. Entre 1914 y 1915 volaría como un aviador militar mercenario para el gobierno mexicano, al mando del general Carranza en Tampico, Veracruz. Durante la Primera Guerra Mundial ejerció de instructor de vuelo del ejército en Garden City, N.Y. y de instructor naval en la academia Smith Point de Nueva York.

Leonard en su inquietud, soñaba con construir un avión con la gracia y la maniobrabilidad de una gaviota por lo que las estudió y fotografió durante algunos años intentando encontrar la forma de llevarlo a cabo. En 1925 se casó con Flora Bonney MacDonald. Ese mismo año comenzó a diseñar en Garden City, Nueva York, un avión en duraluminio con alas de gaviota plegables, y una cabina de dos pilotos sentados lado a lado. Lo llamaría, la gaviota de Bonney .

Aquí podemos ver el peculiar diseño de las alas en forma de gaviota

Sin duda, el diseño de algunos de los atributos de las aves en un avión con motor fue una tarea difícil, sin embargo, Bonney se empeño en ello realizando multitud de diseños y en la construcción de muchos modelos. Incluso uno de ellos se llegaría a probar en el túnel de viento que tenía el MIT. En 1926, a la edad de 42 años, Bonney comenzó a construir su "Gaviota". Sus complicados elementos fueron construidos en el Co. Kirkham N.Y. y su motor sería un Kirkham radial de 9 cilindros de 180 cv. En el otoño de 1927, la gaviota estaba casí lista.

Detalle del motor radial Kirkham de nueve cilindros y del sistema de plegado de las alas.

A pesar de que su aeronavegabilidad era un interrogante, Bonney había construido un avión que, en su momento, fue extraordinariamente ágil y en el que no había expuestos puntales o alambres. Un avión de dos plazas, cabina cerrada (algo inusual en ese entonces) y asientos de cuero. En lugar de un patín de cola, Bonney utilizó una rueda de cola orientable con un carenado aerodinámico; las ruedas principales tenían frenos independientes, características consideradas avanzadas para aquellos días. Uno de los objetivos de Bonney era fabricar un avión que fuera capaz de aterrizar a una distancia relativamente corta. Diseñó un mecanismo hidráulico que, en el momento del aterrizaje, permitia al piloto a tirar de una palanca y girar las alas de la viga principal. Este cambio de la incidencia de las alas permitía que las mismas actuaran como un freno y pararan el avión en pocos metros.

Imagen lateral de la gaviota. La matricula K-1783 indicaba que era un modelo experimental.

Los paneles del ala externa podían moverse hacia adelante y hacia atrás a través de un arco de 20 grados, y fueron articuladas para actuar como alerones. Las secciones externas del fuselaje podían moverse hacia adentro y hacia fuera, supuestamente, para actuar como un dispositivo de corte. La gran complejidad interna necesaria para el funcionamiento de estos mecanismos se la han cuestionado incluso los ingenieros de hoy en día.

Leonard W. Bonney a punto para el vuelo inaugural de su "gaviota"

Se llevo el avión ya casí montado al campo de Long Island Roosevelt y el 4 de mayo de 1928, estaba listo para su primer vuelo de prueba. Bonney encendió el motor y verifico todos los controles. Colocado al principio de la pista, abrió el acelerador, y después de una corta carrera, la Gaviota despegó sin problemas. Ascendió cerca de 30 m. pero lamentablemente, no se sabe si por una equivocación de Bonney o por un fallo del diseño, el avión de repente bajo el morro cayendo en picado y precipitándose al suelo. Al llegar las primeras ayudas nada pudieron hacer. Bonney yacía muerto entre un montón de restos metálicos. Un trágico final para un gran aviador y su sueño de volar como un pájaro.

Un equipo de noticias de Phate America estaba allí el dia del accidente. Grabo toda la secuencia del malogrado vuelo.

Tras la investigación que se llevo a cabo con los restos del avion, no se pudo precisar si fue un fallo mecanico o humano el causante de que se precipitara al suelo el prototipo de la gaviota. Se archivo el caso pocos meses despues.

El coste total del prototipo hasta el dia de su accidente fue de 100.000 $

Las increibles fotografías de Arthur Mole

2011-09-01T16:58:00.001+02:00

Hace casi un siglo y sin ayuda de cualquier tipo, el fotógrafo itinerante Arthur Mole (1889-1983) utilizó una cámara de placas de vidrio de 11 x 14 pulgadas, para organizar una serie de espectáculos de masas, fotografiándo éstas, en una extraordinaria coreografía de cuerpos humanos. En esta composición de masas, miles de efectivos militares y otros grupos como reservistas o personal de enfermería, se organizaban hábilmente como símbolos patrios, emblemas o insignias militares y solo visibles desde una perspectiva de "a vista de pájaro".

Desde el suelo, la formacion de los soldados parecía no tener sentido. Pero desde los miradores de 60 m. -o más- de altura, (en la primera fotografía podemos ver la sombra de la estructura) donde Mole se encontraba, se podía ver que en su intrincada formación aparecían formas y retratos. Mole gritaba por un megáfono o utilizaba un palo largo con banderas de colores para organizar a las decenas de miles de soldados en su posición. Tenía que averiguar el número exacto de soldados necesarios para cada patrón, y cada proyecto le llevaría varias semanas de preparación meticulosa.

Durante la I Guerra Mundial, estas formaciones militares vinieron a servir como puntos de reunión para apoyar la participación estadounidense en la guerra y para protegerse de las tendencias aislacionistas que algunos politicos propugnaban. En el retrato del presidente Woodrow Wilson, 21.000 soldados se reunieron en el Campo Sherman en Chillicothe, Ohio, en 1918, y sería la más famosa de las fotografías de este tipo de Arthur Mole.

Emily Davison y la causa sufragísta

2011-08-27T21:03:00.000+02:00

Emmily Davison

Emily Davison (maestra de escuela, 1872-1913), fue una destacada militante del movimiento feminista que a principios del siglo XX, encabezo en Gran Bretaña el Women's Social and Political Union (WSPU), las llamadas "suffragettes", y luchó por el reconocimiento del derecho del voto de las mujeres (incluso no todos los hombres tenían derecho al voto, las clases más bajas lo tenían restringido). Antes de su muerte en Epsom, Davison protagonizó algunos actos vandálicos contra edificios públicos sin ningún daño personal. Detenida y condenada varias veces, realizó múltiples huelgas de hambre en prisión. En un acto de máxima protesta se tiró por una escalera sufriendo graves lesiones, aunque unos cables la salvaron. Un vez recuperada y convencida de que la causa necesitaba una acción determinante, el 4 de junio de 1913 se interpuso ante el caballo Anmer, propiedad del Rey George V, durante la disputa del Derby de Epsom, adentrándose en la pista en la bajada de Tattenham Corner. No están del todo claras las verdaderas intenciones de Emily. Algunas teorías indican que su intención no era la de suicidarse puesto que compro un billete de vuelta del tren de Epsom. Parece ser que su objetivo era la de detener al caballo y colocarle una bandera del WSPU por lo que se había estado preparándo observando caballos de paseo. Algunos testigos afirmaron que Davidson intentó agarrar a Anmer por la brida y colocársela.

Sea como fuere, su ingenuidad no evito el brutal impacto que la arrastró por la pista. Sufrió fractura de cráneo y murió 4 días después en el Hospital Rural de Epsom sin llegar a recobrar el conocimiento. Fue enterrada como una heroína del movimiento sufragista, aunque su acción no llegó a tener el impacto deseado en el gran público, más preocupado por la salud del caballo y del jockey (el rey lo primero que hizo fue preguntar como estaba su caballo), que la consideró una fanática enferma mental. El caballo apenas sufrió daño y el jockey Herbert Jones se recuperó de una conmoción cerebral suave.

Sufragísta detenida en una manifestación en Londres

Irónicamente, su sacrificio pudo dejar a las mujeres en peor posición para la causa. Aunque existió algún movimiento en el Parlamento con respecto a los derechos de la mujer, algunos historiadores sostienen que la acción de Emily en el Derby dejo tan horrorizados a los parlamentaríos que se pusieron más en contra al derecho de voto para las mujeres. Argumentaron que Emily era una persona muy educada. Si una mujer con estudios estaba dispuesta a hacer lo que hizo, ¿que podría esperar la sociedad de las mujeres con menos educación? El entierro de Emily atrajo a una gran muchedumbre y fue enterrada en la iglesia de Saint Mary en Morpeth, Northumbreland. En su lápida puede leerse el lema del WSPU: "Deeds, no words", "Hechos, no palabras".

En 1917, después de la gran contribución de las mujeres en la primera guerra mundial, la Cámara de los Comunes reconoció parcialmente el derecho al voto de las mujeres concediéndoselo a las mayores de 30 años con cierto nivel de renta y educación. El WSPU (suffragettes) cesó en su actividad y se alío al partido conservador. Otra asociación, el NUWSS (sufragistas), continuaría la lucha y en 1928 lograría el pleno derecho de voto para todas las mujeres de más de 21 años.

Fotografía del funeral de Emily Davison

En el siguiente video podemos ver la acción radical de Emily que al final acabaría con su vida.

Estampas playeras de antaño

2011-07-24T23:13:00.001+02:00

Les recomiendo encarecidamente clicar sobre las fotos para ampliarlas y verlas con toda su magnificencia...

Las ganadoras del concurso de trajes de baño de la playa de Washington DC. del 26 de julio de 1919. ¡Esto es diseño y no lo que hay ahora...!

Versión coloreada ¿cual les gusta más de las dos?

Playa de Atlantic City. Sacándose unas fotos de recuerdo con el burro del fotógrafo playero en el verano de 1904

Jugando con la arena en la playa de Atlantic City en New Jersey. ¿Algunos van con la maleta y todo?

Las ganadoras del concurso de belleza playera de 1922. De izquierda a derecha las señoritas Gay, Eva, Anna, e Iola. ¿Están ustedes de acuerdo con el fallo del jurado de las 1ª, 2ª clasificadas más damas de honor?

Verano de 1904 en Coney Island. La gente toma el Sol sin tomar el Sol...

Verano de 1912. Playa de Atlantic City. ¡Hay que ver la fijación que tenían de hacerse la foto con el burro!

Verano de 1912. Venice, California. Un mar de sombrillas, a ver el listo que encuentra la suya...

Playa de Brighton, Nueva York, en el verano de 1904. El primer vigilante de la playa conocido. De ahí se sacaría la idea para una serie de TV. Solo que poniendo macizas recauchutadas para subir la audiencia.

Agosto de 1922. Playa de Washington. Servicio de pedicura playero. Precursor de los conocidos masajes tailandeses que ahora inundan nuestras costas de la península e islas...

Junio de 1922. Un oficial de policía mide la distancia entre la rodilla y la tela del traje de baño. El superintendente de Edificios, Terrenos y Playas Publicas, había emitido una orden en la que no se permitían mas de seis pulgadas (algo más de 15 cm.) por encima de la rodilla. ¡Ahora hay más tela en la cinta métrica que en la de los bikinis..!

Y hasta aquí hemos llegado. Esta ha sido de momento la ultima entrada. Visitantes anónim@s y visitantes registrad@s, me tomo unas vacaciones. El estío llama a mi puerta y el "dolce far niente" me arrastra a una dulce holgazanería. Seré como el Guadiana, apareceré y desapareceré del Blogger de vez en cuando, espero que sabrán disculparme.

¡Nos vemos en septiembre!

Filmaciones de Londres del año 1903

2011-07-22T21:16:00.000+02:00

El problema del trafico en Londres ya lo tenían hace más de cien años, y vemos que sigue sin mejorar. Atentos al minuto 3'54 en que aparece algo que todavía no habíamos visto y cambiaria el mundo.

Si al principio Petticoat Lane, en Londres, fue un bullicioso mercado donde los hugonotes asentados en la zona vendían sus artículos, en la época victoriana creció adoptando el sobrenombre también de "Mercado de los judíos" y se convirtió en el corazón de la judería del East End. En estas imagenes de 1903, podemos ver vendedores, charlatanes y hasta trileros. Fue una zona castigadísima por los bombardeos nazis durante el Blitz en la 2GM.

Automóviles del futuro en 1948

2011-07-19T18:36:00.000+02:00

Esto demuestra lo equivocados que estamos cuando futurizamos como serán los diseños a 25 años vista, por ejemplo, de los automóviles. En el vídeo que les presento esto debía ser de lo más moderno y futurible, pero ahora, a nuestros ojos, no deja de parecernos anticuado y demodé.

La primera fotografía subacuática de la historia

2011-07-15T18:03:00.000+02:00

Después de haber visto la "primera película conocida", y siguiendo luego por la "primera fotografía conocida", me he dicho a mi mismo...sigamos por "otra" primera cosa. En este caso encontramos la primera fotografía submarina. Ésta, se dice en las hemerotecas, que fue tomada por William Thompson en 1856, pero desafortunadamente no se conserva. El se lo pierde. Por lo tanto, la primera fotografía que se dispone como tal, es la que aparece en la imagen, un buzo bajo el agua tomada por Louis Boutan en 1890.

Año 1890. La primera foto subacuática conocida

Louis Boutan fue el primer fotógrafo subacuático, que tomó fotografías a una profundidad de 5 mts o más en 1893. En ésta imagen le vemos en una especie de autorretrato con un traje de buceo completo en la que fue la primera foto acuática que realizo con éxito. Boutan, que hizo estudios de zoólogo marino, realizó la mayor parte de su fotos bajo el agua y empezó sus experimentos en 1890 en el Laboratorio Arago Marina en Banyuls-sur-Mer, en la costa mediterránea de Francia.

También identificó los problemas de muchas cámaras contemporáneas que las hacía inútiles en condiciones extremas. Trató de encajonar sus cámaras en cajas estancas (incluyendo barriles), pero tenían filtraciones en el interior de las mismas. Por último, construyó un equipo hermético masivo que fue capaz de soportar la presión (en tierra, tres hombres eran necesarios para levantarlo), y con pilas de arco eléctrico estanco para poder iluminar bajo el agua, fue capaz de tomar fotografías submarinas. El conjunto estaba sujeto a un globo con aire para compensar el efecto de la presión. La exposición era de unos treinta minutos y se realizaba por un operador desde la superficie, ya que así se podía consultar el reloj. Los relojes hermeticos todavía no se habían inventado.

Las fotos que consiguió Boutan en sus comienzos le resultaron decepcionantes, por las largas exposiciones que se requerían y la falta de profundidad de campo. En 1900 publicó La Photographie sous-marine et les progrès de la photographie. Posteriormente trabajó en Indochina, y en 1906 fue nombrado profesor de la Facultad de Ciencias de Burdeos. En 1915 desarrolló un aparato de inmersión para la Marina. Más tarde fue director del laboratorio de zoología de Arcachon e inspector de pesca en Tigzirt (Argelia), puesto que ejerció hasta su jubilación. En 1925 fue elegido presidente de la Sociedad Zoológica de Francia. Murió en Tigzirt el 6 de abril de 1934, llevándose el merito de ser el precursor de las técnicas para fotografía submarina en el mundo.

Fotografía del susodicho y del armatoste empleado para sus fotografías subacuáticas

La primera fotografía de la historia

2011-07-09T07:26:00.000+02:00

Esta es la primera fotografía conocida y que logro perdurar en el tiempo -las primeras pruebas se desvanecían a las pocas horas- y fue tomada por el inventor Joseph Niépce en 1826 desde una ventana. En 1829 empezó a colaborar con Louis Daguerre para mejorar los diversos procesos químicos que se usaban en la época. La muerte de Niepce en 1833 dejaría solo a Daguerre y su "daguerrotipo" como único inventor del proceso fotográfico. Aunque el merito del invento ahora se sabe que pertenecía en gran medida a Niépce que sentó las bases para que Daguerre pudiera crear el suyo.

La construcción del Titanic

2011-07-04T17:51:00.000+02:00

La Wikipedia tiene una magnifica y extensa entrada de la historia de este transatlántico AQUÍ MISMO

Artilugios Gimnásticos Decimonónicos

2011-06-29T22:56:00.000+02:00

Si alguien reconoce algún artilugio gimnástico de estos y para que sirve, ruego encarecidamente que me lo explique, que le voy dando vueltas al asunto y no pillo para que sirve alguno.

Fotos de Boda

2011-06-26T07:57:00.000+02:00

Muchas son las tradiciones que sugieren lo que se debe hacer en cada etapa de una boda, desde su organización, la vestimenta y el festejo hasta la luna de miel. Las supersticiones que rodean a la celebración de un matrimonio tienen los más diversos orígenes y fundamentos.

El novio no debe ver a la novia ni a su vestido antes de la ceremonia. Se cree que si el novio ve a la novia con su traje nupcial el matrimonio sería una pesadilla. Para matrimonios católicos, muchas veces es requisito participar en un curso matrimonial.

El refrán "en martes no te cases ni te embarques" (en algunos lugares "en martes ni te cases ni te embarques, ni de tu casa te apartes") proviene de la Antigua Roma. Marte era el dios de la guerra, por lo que los romanos pensaban que el martes (el día dedicado a ese dios) era un día propicio para desgracias, catástrofes y sangre.

Los lunes eran considerados días buenos para casarse, porque desde la Europa prerromana el lunes era el día de la Luna, la diosa madre. Esa tradición luego la tomarían los romanos. Tradicionalmente en las diferentes culturas globales es costumbre regalar a la pareja de novios diversos tipos de presentes como muestra de complacencia social y júbilo.

Las flores representan emociones y mérito; conllevan un mensaje de fertilidad, florecimiento y generosidad. La superstición dice que la afortunada que atrapa el ramo de la novia tendrá suerte y será la próxima en casarse.

En su origen el color blanco del vestido de la novia era un símbolo de poder económico y de status social, ya que el poder obtener un vestido blanco con las características típicas del vestido de novia, es decir, mucha tela, calidad y adornos, valía mucho y no era fácil de conseguir. Realmente puede utilizarse cualquier color excepto el negro. La pareja de arriba no lo sabia.

En la supersticiosa Edad Media se decía que en la boda era de buena suerte usar: "Algo viejo, algo nuevo, algo prestado o usado y algo azul". El novio y la novia deben ponerse una moneda en sus respectivos zapatos para atraer la buena fortuna.

Desde tiempos remotos, para alejar a los malos espíritus es costumbre hacer ruidos fortísimos (por ejemplo, en China hacían explotar bombas de estruendo). Esa costumbre se mantiene en la actualidad en algunos países de Occidente, en donde los novios hacen sonar la bocina de su automóvil y hacen mucho ruido.

La tradición de que la novia utilice tocado el día de su boda viene porque en la antigüedad se acostumbraba que las mujeres llevaran una guirnalda de flores. Originalmente, la novia usaba el velo como símbolo de juventud. Las novias católicas lo utilizan como símbolo de pureza.

La Marcha Nupcial es un himno que tradicionalmente se reproduce al momento de la novia ingresar al altar o lugar de la ceremonia. Su uso está extensamente masificado en países de occidente. El autor de la marcha nupcial fue Felix Mendelssohn y la obra forma parte de "El sueño de una noche de verano", escrita en 1826 a partir de la obra homónima de William Shakespeare.

No había que casarse en enero (época de muchísimo frío y carestía en Europa), ya que tendrían escasez económica todo el resto de su vida. Esta superstición se basa en la creencia de que la época en que se genera un proyecto influye en su desarrollo.

El novio debe llevar la corbata correctamente puesta, ya que si la lleva torcida significa que le sería infiel a la novia. El tirar arroz (u otros granos) después de la ceremonia de la iglesia representaba la semilla, la descendencia.

"Yo no se ustedes, pero la estética de las bodas actuales me gusta mucho más..."

Si les ha gustado la galería de fotos de bodas antiguas, aquí tienen más, en la pagina de Frollein Eichblatt.

Y gracias al Wloghero del Antifaz por proporcionarme las fotos de boda "picantes". Visiten su blog que seguro que se echan unas risas o descubren algunas curiosidades.

Premio al mejor blog del día

2011-06-23T14:48:00.000+02:00

Pues sí. El bloguero Stultifer, del blog "No sin mi cámara", ha tenido a bien galardonar a este incipiente blog con su prestigioso premio al "Mejor Blog del Día" (jueves 23/6/2011) por sus contenidos y matices como dice su enunciado. Y desde luego, agradezco el honor que me hace luciendo su mención como toca en la vitrina.

De paso agradecer -disculpenme por no haberlo hecho antes- al blog de "Las Gatas Madrileñas" y al blog "España Eterna" por haber pensado en este humilde rincón para concederle por su parte el premio, Sunshine Award de hace unos días. Muchas gracias a los tres.

Tempest Storm: La stripper mas longeva del mundo

2011-06-21T10:33:00.001+02:00

Tempest Storm (Tempestad Tormenta, en español) es el nombre artístico de una stripper estadounidense. Junto con Lili St. Cyr y Blaze Starr, fue una de las mejores actrices del teatro burlesque de los años '50 y '60. De ella se considera que tiene la carrera más larga como artista de esta especialidad, que abarca más de 50 años. Tormenta nació como Annie Blanche Bancos, en Eastman (Georgia) el 29 de febrero de 1928. A la edad de 20 años, ya se había casado dos veces y divorciado otras tantas. Sin casa ni marido, decidió poner rumbo a Hollywood en busca de fortuna. Su belleza pronto le consiguió trabajo como corista, pero su figura, junto con una gran personalidad le llevaría a una exitosa carrera en el burlesque. Su debut profesional fue en El Rey Theater, en Oakland, California. Adoptaría el nombre artístico de Tempest Storm alrededor de 1950.

Tormenta sería la estrella principal durante muchos años en el Rey Theater, así como en los todos los clubes en los que llego a actuar a lo largo de los Estados Unidos. Era famosa por sus medidas físicas y su cabello natural de color rojo. Apareció en numerosas revistas para hombres y en películas y documentales de temática burlesca como: Russ Meyer 's Peep Show frances (1950), París, después de la medianoche (1951), Striptease Chica (1952), Teaserama, (1955) Beautease Buxom (1956) y algunas más. A finales de 1950, aseguro sus pechos en la compañía Lloyds de Londres por un millón de dólares.

Con el escritor Bill Boyd, contó la historia de su vida en el libro, "Tempest Storm: La señora es una vampiresa" (1987). Su profesión le ha permitido conocer a pesos pesados de Hollywood como Frank Sinatra, Dean Martin, Mickey Rooney, Nat King Cole, Elvis Presley, etc... Con este ultimo, salio una temporada. Cuenta que le conoció después de uno de sus espectáculos en Las Vegas y que se presentó él mismo. La relación terminó un año después porque el manager de Elvis no aprobaba la relación del cantante con una "stripper". Sin embargo, ella le dijo que no iba a dejar de ser lo que era. Al fin y al cabo, alcanzó la fama quitándose la ropa. A lo largo de su vida se ha casado cuatro veces y tiene una hija. No bebe, no fuma, come lo que quiere y sigue la religión evangelista. Actualmente vive en Las Vegas, Nevada.

Tempest Storm esta incluida en el Museo Salón de la Fama, en Helendale, California, donde uno de sus tangas es parte de la colección del museo. No piensa en la retirada, según confesaba en una entrevista a la CNN: "No, no estoy preparada para dejar mi espectáculo. Tengo muchos fans y ellos se disgustarían. Me siento bien conmigo misma. Y me divierto" asegura. "Me lo paso bien sobre el escenario y al público le gusto. Nadie dijo que haya un momento para abandonar. ¿Por qué parar?"

La reina del burlesque en una actuación del año 1980 con ya 52 años.

Entrando en su camerino en el que le hicieron la entrevista aludida por su ochenta cumpleaños.

Ochenta y tres primaveras tormentosas tiene ahora la pelirroja. ¡Y que bien se la ve!

Aquí vemos que tiene trabajo hasta mayo del 2012, en que termina el crucero de Nueva York a las Bermudas según el folleto. Que alguien le de la medalla al trabajo, por Dios!!

La primera película de la historia

2011-06-18T12:42:00.000+02:00

La primera película de celuloide conocida, fue realizada por Louis Aimé Augustin Le Prince, con la "cámara Le Prince de lente única" fabricada en 1888. Fue tomada en el jardín de la casa de la familia Whitley, en Oakwood Grange Road, Roundhay, un suburbio de Leeds, Yorkshire (Gran Bretaña), posiblemente el 14 de octubre de 1888. Muestra a Adolphe Le Prince (el hijo de Le Prince), la Sra. Sarah Whitley, (la madre de Le Prince), Joseph Whitley y la señorita Harriet Hartley. Los "actores" se muestran caminando en círculos, riendose de sí mismos y manteniéndose dentro de la zona enmarcada por la cámara. Tiene una duración de menos de 3 segundos e incluye cuatro marcos.

The Cliff House, "La Casa del Acantilado"

2011-06-15T17:15:00.000+02:00

La primera casa Cliff

La Cliff House ha tenido cinco versiones desde sus inicios en 1858. Ese año, Samuel Brannan, un próspero empresario de la ciudad de Maine, compró por 1,500$ las maderas rescatadas de un barco que se hundió en el mar, acantilados abajo. Con este material se construiria la primera de las Cliff House.

La segunda casa Cliff

La segunda Cliff House fue construida por el capitán Junius G. Foster, aunque no vivió en ella ya que estaba a un largo viaje desde la ciudad y decidió que fuera una casa de alojamiento, en su mayoría jinetes a caballo, grupos de cazadores y excursionistas en pequeñas salidas al día o fines de semana. Se hizo conocida por la conducta escandalosa, que en gran medida demostraron todos los que a ella se acercaron para pasar unos días desde la ciudad de San Francisco. Con la apertura de una carretera un año después, la Cliff House se convirtió en un éxito y una moda la de viajar a ella los festivos. Los fines de semana, no quedaba espacio en la Cliff House para atar los caballos de los miles de visitantes. Pronto, los ferrocarriles y las líneas de tranvía llegaron cerca de Lone Mountain, donde los pasajeros eran transferidos a las líneas de diligencias hacia la playa. El crecimiento del Parque de Golden Gate de la ciudad de San Francisco y su masificación, atraía a los viajeros a dejar la ciudad y visitar las playas de la zona en busca de los leones marinos que tomaban el sol en las rocas, junto a los acantilados en el lugar conocido como "Seal Rocks".

En 1883, después de algunos años de recesión, la Cliff House fue comprada por Adolph Sutro que se había convertido en millonario al patentar un sistema para resolver los problemas de ventilación y drenaje en las minas de Comstock, en Nevada. Sutro trato sin éxito de gestionarla el mismo, así que la arrendó algunos años después a J.M. Wilkens, con la condición de que la limpiara de gente de mala fama y atrajera a las familias locales "normales". En 1887 la Cliff House fue severamente dañada por una explosión de dinamita que transportaba una goleta, de nombre "Paralelo", que había encallado acantilados abajo. La explosión se oyó a un centenar de kilómetros de distancia y demolió el ala norte de todo el edificio. La casa fue reparada, pero once años más tarde, en la noche de Navidad de 1894 y debido a la combustión defectuosa de una chimenea, el edificio ardió completamente. Wilkens no pudo salvaguardar el registro de invitados, que incluía hasta la fecha, la firma de tres presidentes de la nación y decenas de famosos e ilustres visitantes de todo el mundo.

La tercera casa Cliff en construcción

Adolph Sutro no se lo pensó dos veces y se gastó 75.000 $ de la época para reconstruir y equipar la "casa acantilado" de una manera grandiosa y espectacular. Construida como un castillo francés, la tercera Cliff House abrió sus puertas en febrero de 1896 y se jactó de tener ocho pisos, cuatro torres y una más como torre de observación a 200 pies sobre el nivel del mar. Aunque nunca fue un hotel, sirvió como un sitio elegante para una cena, baile o entretenimiento. En el tercer piso se creo una galería de fotos, salas de recepciones, salas múltiples y todas con hermosas vistas panorámicas. El segundo piso tenia 20 comedores privados, una galería de arte, y una exposición de piedras preciosas. A nivel del suelo, había un gran salón comedor, salón, bar, varios salones privados, y las cocinas. La visita de dos presidentes de EE.UU., William McKinley y Teddy Roosevelt, así como otros muchos ciudadanos y famosos del mundo, hizo que la Cliff House fuera el lugar favorito de la población local.

Clickar en las imagenes para ampliar, lo recomiendo.

Este mismo año se inició la construcción de los famosos Baños Sutro, que incluía seis de las piscinas bajo techo más grandes del mundo. Además de diversos restaurantes, salones de baile, tiendas de regalos, una pista de patinaje y un museo donde Sutro exponia toda clase de recuerdos de sus viajes. Multitud de habitantes de San Francisco llegaban en trenes de vapor, bicicletas, carros y carretas de caballos de excursión los domingos y festivos. Había varias atracciones para visitar después de hacer este viaje a la costa. Dependiendo del año, la gente también podía caminar entre las estatuas, en los elaborados jardines por encima de la Cliff House, sobre la base de Sutro Heights. También hubo un tranvía a techo abierto que transportaba pasajeros entre la Cliff House y Point Lobos, a lo largo de la orilla del mar.

La Casa de Baños Sutro y la Cliff House, sobrevivieron al terremoto de San Francisco de 1906 con pocos daños estructurales. Pero la Cliff House volvió a arder otra vez en la noche del 7 de septiembre de 1907, resultando completamente destruida. Después de una amplia remodelación y antes de volver a abrir las puertas, la más resplandeciente y espectacular de todas las casas del acantilado se quemo hasta los cimientos. Este elegante edificio había sobrevivido al terremoto de 1906 sólo para sucumbir ante un voraz incendio que la destruyó y convirtio en cenizas en menos de dos horas.

Fotografías del incendio de 1907

La Dra. Emma Merritt, la hija de Sutro, fue la encargada de la reconstrucción, -pero ahora de un restaurante- en un estilo neo-clásico que se terminó en el plazo de dos años y es la base de la estructura que vemos hoy en día sin muchos más cambios. Nada que ver con la antigua edificación.

La cuarta casa Cliff

En 1937, George y Whitney Leo compraron el Cliff House, para complementarlo a su Playland, una atracción extensa y cercana de la que eran propietarios. La casa fue otra vez remodelada y reabierta en agosto de 1938.

Playland en 1918

Playland en 1938

Con los años, el edificio fue adquirido por el Servicio de Parques Nacionales en 1977 y se convirtió en parte de la Golden Gate National Recreation Área . Muchas de las reformas que realizaron los Whitney fueron retiradas y el edificio fue restaurado a la apariencia del año 1909. En 2003, una renovación más amplia añadió un ala de dos pisos nuevos, con vistas a las ruinas de los baños Sutro que habían sido abandonados en 1966.

A lo largo de los años, más de treinta barcos han naufragado en los acantilados de la Cliff House siendo reducidos a pedazos todos ellos.

Muñón de una viga quemada del incendio de 1907

La quinta casa Cliff. La flecha señala el lugar exacto donde se encuentra el muñón

Si te ha gustado y quieres ampliar la historia de esta casa y todas sus atracciones en los aledaños, con más fotografías y diversos enlaces hasta aburrirte...Aquí, aquí, aquí y aquí.

Toulouse - Lautrec en la playa...

2011-06-12T11:40:00.000+02:00

...pero no tomando el Sol o dándose un baño, sino defecando. Y es que a cualquiera le puede dar un apretón en cualquier momento y lugar.

En 1898, el galerista de arte parisino Maurice Joyant, fotografió a su amigo Henri de Toulouse-Lautrec defecar en la playa de Le Crotoy, en Picardie. Esta serie de fotos ya había sido olvidada y era desconocida. La intención al tomar estas fotos no esta clara, pero estas fotografías siguen siendo uno los primeros testimonios fotográficos de que las celebridades también hacen tonterías, un siglo antes de que Internet nos de toda clase de ejemplos en cualquier lugar y momento...

Madame Minutero

2011-06-08T20:33:00.000+02:00

Madame Minutero esta contando las horas y los días para que este blog empiece a caminar. Pronto las primeras entradas. Gracias por su visita.

Presentación

2011-06-04T21:23:00.000+02:00

Proximamente aquí, en este blog, podrán encontrar viejas películas y fotografías. Unas históricas, otras raras y otras curiosas. Con pie de foto o sin el. Con artículos explicativos o sin una sola palabra. En fin, lo que vaya encontrando en la red este nuevo retronauta que ante ustedes se presenta. Ya saben que si se hacen seguidores, recibirán las actualizaciones en su escritorio y si se suscriben por correo, en su bandeja de entrada. ¿Que están esperando? No pierdan el tiempo, sean los primeros...

Subanse al carro de este blog como estas señoritas...